Comentarios, críticas.

“El tiempo, si podemos intuir esa identidad, es una delusión: la indiferencia e inseparabilidad de un momento de su aparente ayer y otro de su aparente hoy, basta para desintegrarlo”.

Jorge Luis Borges

            La muestra de Gustavo Larsen “Apuntes temporales” obliga al espectador-participante a tomar una posición frente a la obra presentada. No se puede permanecer indiferente cuando se propone un recorrido que parte de la memoria-vestigio de sucesivas lecturas sobre lecturas para llegar a una hipótesis final en la que reconocemos los elementos que sirvieron de punto de partida a un orden como formas participantes de un caos final.

            El tiempo como convención engañosa (esa “delusión”, según Borges) aparece desenmascarado como si asistiéramos a un museo. Hay un engaño en lo escrito que ya ha sido escrito y en la multiplicidad de los días que son todos distintos e iguales en perspectiva. El caos no es otra cosa que los elementos del orden dispuestos de otra manera.

            Tres momentos, como tres quillas de barcos diferentes, nos introducen en océanos conocidos y extraños: la memoria vestigio, el ámbito múltiple-diverso / único-irrepetible, la sucesión de mutaciones hacia un “desorden” final.

            En “365 días y un día” el peso y el agobio de lo rutinariamente uniforme nos descubre la falacia de creer únicos nuestros actos diarios sin sospechar que la sucesión de matices (color, forma, encuadre, etc.), siempre distntos y siempre los mismos, representa el perpetuo y alienante caos de la rutina macrocósmica. No hay indicio ni concepción de fin ni comienzo. El año no es un lapso de tiempo determinado sino un ambiente, un estado de ánimo, una abstracción de museo, un agobio no confesado.

            Por último, la ambientación final parte de un orden primigenio y primitivo (colores primarios, puntos cardinales) que paulatinamente se irán transformando, día a día, en la mutante perseverancia del mito de las edades en marcha perpetua hacia el caos. Caos en su sentido griego: “abertura ancha”, “abismo”. Pero esta marcha del orden al desorden, del cosmos al caos, no implica destrucción, sino “paso”, pues persistirá el elemento generador primero (cobos, planos, varas...) y hará que ese “desorden” se neutralice, se expanda. El rito-juego diario de la mutación, variará las representaciones visuales proponiendo un significado unívoco-multívoco del tiempo a la vez que una nueva forma de concepción de la obra de arte. Siempre la misma y siempre diferente: distintos sus elementos y espacios en la mente del que la contempla.

            El “aquí y ahora” no es tal en la presente muestra de Gustavo Larsen.

Prof. ENRIQUE ROBERTO VIDAL

La Plata, 1987

En la obra artística de Larsen hay un dualismo constante, un fluctuar entre antípodas: materia-espíritu; tierra-cielo; variedad-unidad; un permanente juego de signos cargados de misterio, en apariencia imposibles de decodificar, y una búsqueda que va de los orígenes del hombre y del mundo conocido hasta el macrocosmos, y quizá, ¿por qué no? ya  esté ahondando las inescrutables profundidades de un inframundo, poblado de magia y fantasía. Porque en última instancia si nos detenemos en el análisis de su producción, podemos afirmar que así como Xul Solar creaba e inventaba universos y elementos fantásticos, en Larsen todo surge como consecuencia de una "investigación mágico-fantástica", que pareciera ser extraída de la memoria de nuestros ancestros.

En las series "Las guardianas de la Luna", "Los guardianes del Sol", "Las cuatro esquinas del Cielo", "Las cuatro esquinas de la Tierra", "Ronda alrededor del mundo" o en "Los Anteriores", xilografías de 1982, manifiesta la dualidad a partir del tema y de la inclusión de imágenes a manera de mandalas, cuyo simbolismo no es otra cosa que: diversidad-concentración, variedad-unidad; exterioridad-interioridad; diferenciación y unificación.

La representación del universo con un gran agujero en el centro y la proximidad de los personajes en actitud ritual, hacen que de inmediato los relacionemos con los ritos de fecundidad tribales; pero como los movimientos rituales están emparentados con el ritmo de los movimientos astrales y los agujeros, en el plano espiritual son una abertura hacia otro mundo, podría interpretarse como una aspiración a lograr la inserción en ese macrocosmos, del que hablamos al principio. En el caso de la "Ronda" se intensifica el sentido por la posición de los "danzarines", quienes parecen querer modificar con sus movimientos y sacudidas la situación estática y estéril de ese mundo "agujereado". La visión planimétrica del mundo -como una gran telaraña-, está complementada con formas espirales que dan idea de creación y desenvolvimiento, de rueda y de centro. Los personajes mostrando las entrañas, insinúan la muerte y el laberinto -elemento éste usado por Larsen en otras de sus obras-, forma tan atrayente como el abismo o el remolino, en relación con lo inconsciente y el alejamiento de la vida, pero atemperado por la presencia de los ojos, símbolos de comprensión y también de infrahumanidad.

La necesidad de volver a los orígenes se hace notoria en la preocupación por fabricar el papel para sus obras, y en la aparición de manos y dientes, principio de la acción humana y de la fuerza magnética, unas; y armas de ataque primigenias o expresión de actividad y defensa del hombre interior los otros.

El artista trabaja con la cosmogonía Sol-Tierra- Luna; el Sol es el principio activo, de carácter heroico y masculino en contraposición con la Luna, pálida y delicada, pasiva reflectora de la luz solar, que rige las mareas y los ciclos fisiológicos de la mujer; femenina como la Tierra y ligadas a la fertilidad; cosmogonía respetada y venerada por las culturas agroalfareras.

Hay en la mayoría de sus obras una lucha simbólica entre los elementos centrales, dados por la espacialidad terrestre, por los cuatro exteriores naturales -puntos cardinales, cuatro esquinas de Larsen-, y la síntesis espiritual, el tres es la resultante armónica de la acción de la unidad sobre el dos; el tres representado en las pirámides con su doble idea de muerte e inmortalidad; pero también imagen del universo brotando de lo manifestado.

"Crónica de los diez años", resulta ser una obra clave en la producción de Larsen, porque su incursión en la pintura va a tener como consecuencia el "ablandamiento" de las formas y a partir de ella se abrirá un nuevo proceso, en el que los signos complejos y figurativos van a dejar paso a otros más sencillos y abstractos, ganando en riqueza compositiva y en calidad de ritmos, sin salir por ello de la línea que lo caracteriza.

En "Crónica de los diez años", acrílico sobre papel, hay una ruptura con las convenciones -tendencia general en el artista-, por su forma de presentación a manera de Códice. La disposición de las formas, en tres frisos -que se repite en la serie de los Signos-, uno superior angosto (cielo)  y otro inferior (tierra), compuestos por signos de lectura variable y el central (vida terrena) con personajes, doce en total, uno por cada mes del año.

El año, proceso cíclico, período de vida humana o cultural, de existencia cósmica que implica un ascendente y un descendente; evolución e involución; oscuridad y luz; vida y muerte tiene suma importancia en su obra. Cada una de las hojas abiertas del Códice representa un año, en total diez y este número no es otra cosa que el retorno a la unidad tras la multiplicidad; representado desde antiguo por el círculo que a su vez simboliza  el cielo, la eternidad y la Perfección. Pero, como todo artista que nunca se  conforma con su otro Ser y coherente con su ser en sí, contrapone el cuadrado,  representante del estado pluralista del hombre, que aún no ha alcanzado el estado de unidad interior, vale decir la Perfección.

Si profundizamos aún más en esta dualidad círculo-cuadrado -frecuente, por otra parte, en el universo morfológico espiritual de nuestro artista-, encontramos en el primero al principio masculino, la energía  y los influjos celestes; y en el segundo, el principio femenino y los impulsos  telúricos. No es casual que la representación del tiempo adopte formas circulares y que el cuadrado sea la expresión geométrica de la cuaternidad: combinación y organización de los cuatro elementos fundamentales; de las cuatro estaciones; de las cuatro edades de la vida; de las cuatro fases de la luna y de los cuatro puntos cardinales, que al fin dan fijeza al mundo. Y para dar imagen de estabilidad, solidez y permanencia: el cubo, cuadrado de los sólidos, representante de la tierra al igual que los trigramas, que son una constante en la obra de Larsen.

En este incesante dualismo en el que hay un complementarse de tesis y antítesis, también existe una tendencia a resolverse en la síntesis, demostrada por los personajes de todas sus obras: el hombre como símbolo de la existencia universal; la pareja mostrando la unión de lo que de hecho está separado y las figuras unidas formando una conjunción; todos en actitud erecta, tendencia ascendente y evolutiva, expresión de la esencia humana; apoyados sobre la solidez de la guarda inferior, en la que se alternan un sinfín de signos; cobijados por un cielo en el nivel superior, unidos todos por elementos esenciales como las cruces en las que se conjugan los contrarios y se entabla la relación primaria entre dos mundos -terrestre y celeste-. Todo esto acentuado a través del color, los verdes nos llevan desde el origen  mismo de las cosas hasta la muerte; pasando por la desesperación de los naranjas, la fogosidad y sobrenaturalidad de los rojos, sin descuidar la luz solar, el espacio, las tinieblas y lo subterráneo logrado por los amarillos, azules, negros y tierras. Todo el color contribuye a crear el clima propio de los momentos mágicos, tiempo transcurrido en el devenir de esas criaturas fantásticas y misteriosas, que se transfiguran tras la máscara, jugando con esa ambivalencia entre lo que se es y lo que se quiere ser.

Lic. LIDIA TERESITA BERON

La Plata, 1987

ACERCA DE GUSTAVO LARSEN

Hablar de localismo es, hoy, una especie de negativa postura para un correcto análisis. Sin embargo, no podemos dejar de hacer tal referencia para justificar estas líneas que pretenden muy prietamente presentar a GUSTAVO LARSEN. Y apelamos a ello no con un sentido reivindicatorio, sino por necesidad de ubicar el mundo del citado grabador. La Plata no es una ciudad de grabadores ni hasta el momento se haya podido precisar la existencia de una escuela de arte que la identifique. Por qué entonces este “capricho” de resaltar el entorno.

            La razón fundamental está en ciertas “pegas” que se producen en el artista que labora su obra en la ciudad. Como lo es el carácter pedagógico constante que se produce sobre todo a partir de la aparición de los maestros FRANCISCO DE SANTO y MIGUEL ANGEL LEGARTE. La trasmisión de ellos ha sido el valorar el diálogo profundo y no escatimar la trasmisión de todos los conocimientos técnicos que poseían y promover una militancia constante a través esencialmente en el campo de la xilografía.

            Por otro lado el carácter de “siesta permanente” permite elaborar sin pausa un planeamiento de la obra y profundizar sus aspectos técnicos. Testimonia esto un carácter experimental que adquieren los productos en las distintas manifestaciones de la plástica. Una pléyade de artistas avalan tal postura aunando criterios universales que no aplacan los rasgos personales con propuestas esencialmente individuales.

            GUSTAVO LARSEN es un ejemplo de tal enjudia pues practicando todos los enunciados mencionados basado en una tarea silenciosa, sin pausas pone el obcecamiento de todo aquél que tiene certeza de que su “insistencia” construirá las respuestas a planteos que se generan y alimentan desde campos diferentes. Hay un sello en sus trabajos. Investigador a grado experimental no por eso descarta el compromiso de ir jalonando sus etapas con obras definitorios. Su temática aborda un sentimiento de fraternidad y cuestionamiento latinoamericano. De esto ha tomado rasgos características hermanando con un fresco tratamiento actualizado, problemáticas que en forma permanente propone este “conflictivo y confrontado continente”.

            Los papeles confeccionados por él mismo, el color utilizado con las estridencias o silencios aconsejables, testimonian una habilidad creativa de propio sustento y, no cansaremos de repetir, es el resultado de un “entorno”  y los sucesos promovidos por éste, captados en su caso no únicamente con el sello tradicional que pretendemos, sino sumada una particular interpretación de sus imágenes.

            Por otro lado si bien cada grabado en madera de su autoría, mantiene una individualidad por cada imagen, ésta se va convirtiendo en una “saga”. Lo que señalamos como una propensión de los grabadores platenses. Es que la calma y el tiempo que “corre largo” laboran espiritualmente al artista que no deja de relacionar lo ya realizado en confrontación permanente con lo que pretende realizar. Otra característica que genera una especie de taller-laboratorio que propone las relecturas que catapulcan a nuevas interpretaciones mas enriquecidas.

            GUSTAVO LARSEN no es típico artista platense. Difícil tarea sería encasillarlo. Sí es un representante real de un entorno. A grandes rasgos hemos tratado de identificarlo. Razones de tiempo y espacio, evitando el riesgo y abuso de la adjetivación, depositamos la fe en una obra que no precisa la apoyatura de las palabras sino que se basa en un lenguaje plástico riguroso de formas y colores que certifican la existencia de un código comunicativo y por ende un alfabeto personal para expresar su mundo. Estará en la libertad respetada por Larsen de descifrarlo, sumarlo o anexarlo en conformidad a cada una de nuestras actitudes.

PROFESOR EDGARDO-ANTONIO VIGO

Director del Museo de la Xilografía de La Plata

1º de noviembre de 1990

Pinturas de Gustavo Alfredo Larsen

            En su larga y destacada trayectoria, Gustavo Larsen siempre se distinguió por su intensa originalidad, un “volver al origen”, que coincide con la intencionalidad de esta muestra. Un evocar la vida de los pueblos originarios – sin la llegada de los colonizadores.-

            Ese es el punto de partida de un viaje hacia lo inesperado, hacia el deslumbrante universo de su imaginación.

            En este trayecto las imágenes viajan en un río que siempre lo acompaña. Hoy confluyen como afluentes virginales hacia un ensamble de sueños y añoranzas. Es un viaje profundo y misterioso hacia el corazón atávico del hombre; hay que toparse con signos ancestrales con el color de tucanes y de flores, hay que sortear inesperados soles y disfrutar del encanto de sus tribalizadas figuras, danzando entrelazadas hacia el infinito, brincando al ondulante ritmo de sus cuerpos, es una escena primordial de la celebración de la vida en los primeros tiempos. Es un espejo del comienzo de la tribu en una tierra de esplendor salvaje.

            Reaparecen aquí las imágenes que desde hace siglos lo acompañan dotadas de una calidad estética que brota de su notable sensibilidad artística.

            Es una inmersión profunda hacia los deslumbrantes acantilados de la mente, una dimensión estelar de luminosas constelaciones, una visión atemporal de los primeros días, navegando en un arrecife espiritual que nos transporta desde el filo de la noche hasta las riberas del paraíso.

            Cual tabloides rúnicos, estas enigmáticas caligrafías gestuales - volcadas en expresivos manuscritos pictóricos - articulan sus fragmentos para configurar un planisferio del palpitante relato de sus ensoñaciones.

Dalmiro Sirabo

La Plata, abril de 2007.

Reseña escrita por Vero Capasso acerca de la muestra realizada en 2014
http://issuu.com/sintoma/docs/resena012